„Dank ‚Change The Waters‘ wirkt die Renaissance des Emo-Genres gar nicht mehr so abwegig.“ (vampster)
Emo-Rock ist nicht nur nicht tot, sondern bebt lebendig im Takt der Songs auf LONELY SPRINGs Debütalbum. Denn wenn man will, dass sich etwas ändert oder dass es wird wie es mal war oder eben beides, dann sollte man es selbst in die Hand nehmen. Aufgewachsen mit Fall Out Boy, tiefer in die Szene eingedrungen durch Escape The Fate und letztlich die großen Idole gefunden, denen man seitdem unaufhaltsam hinterher strebt, My Chemical Romance. LONELY SPRING sind vier Jungs, die sich bereits seit der Schulzeit kennen und miteinander musizieren. Damals noch in einem Proberaum in einer 7000-Einwohner-Stadt. Doch die Träume waren damals schon groß und genauso stark war der Wille sie zu erreichen. Sie wollten etwas verändern, sie wollten, dass sich die Welt verändert. Ihre Helden haben ihnen bewiesen, dass man alles schaffen kann, wenn man immer wieder aufsteht und die Stimme erhebt, wenn man immer dann, wenn man sich verliert, für die Welt und für sich selbst singt. Jahre später ist es nun soweit und ihre Blicke richten sich gen Rockolymp. Sie sind bereit in die Fußstapfen ihrer Helden zu treten. Bereit, alles zu verändern.
‚Change The Waters‘ ist eine Kampfansage. Ein Brüllen, so laut, dass sich ein Gewitter in der Szene erhebt. Alles ist erlaubt und LONELY SPRING beweisen auf ihrem Debütalbum genau das. Dennoch bleiben sie ihrer musikalischen Herkunft treu und wahren die Tradition, indem sie eine totgeglaubte Szene wiederauferstehen lassen. Die 2000er wurden reanimiert und direkt in die Zukunft der Rockgeschichte katapultiert.
Nach der Debüt EP ‚Lovers & Strangers‘, der Akustik EP ‚Berlin Therapy‘, der Single ‚Drug feat. Kellin Quinn‘ und den zwei EP-Auskopplungen des Albums ‚Change The Waters Vol. 1: the art of being miserable‘ und ‚Change The Waters Vol. 2: our sad weather hearts‘ ist das langersehnte komplette Debütalbum ‚Change The Waters Complete Collection: burn your past & show your scars‘ nun der finale Schritt in Richtung Emo-Rock-Renaissance.
LONELY SPRING haben mit ihrem Debüt ‚Lovers & Strangers‘ in weniger als eineinhalb Jahren über eine Millionen Streams auf Spotify erreicht. Darunter befindet sich auch die Single ‚For the Sake of Your Heart‘, welche auf YouTube mittlerweile über 100k Views erzielen konnte. Außerdem wurden die Auskopplungen des heute erscheinenden Debütalbums in den letzten Monaten bereits insgesamt über 400k mal allein auf Spotify gestreamt. Darüber hinaus fanden Songs von LONELY SPRING auf großen Spotify official Playlisten statt und tun es noch, unter anderem auf ‚Rock Hard‘, ‚Rock Rotation‘, ‚New Noise‘, ‚All New Rock‘, ‚New Metal Tracks‘, ‚FORYOU‘, ‚New Alt-Rock Mixtape‘ und ‚The Scene‘. Noch dazu sind LONELY SPRING bereits mehrfach durch Deutschland und sogar Europa getourt, mit Bands wie Our Last Night, Sea Girls und Emil Bulls und spielten Shows mit State Champs, Ignite, As It Is, Hands Like Houses und Being As An Ocean, ebenso wie zahlreiche Festivals wie das Hammaburg Fest, Free and Easy und das Jukuu Festival.
‚Change The Waters Complete Collection: burn your past & show your scars‘ erscheint heute über Ivorytower Records / Edel, inklusive der letzten Single des Albums, ‚Kalifornia‘. Womöglich handelt es sich dabei um den intimsten und ehrlichsten Track des Quartetts. Instrumentals, die Gänsehaut hervorrufen und dann in einen letzten Refrain ausbrechen, der einen auf die Straße laufen lassen will, um anschließend barfuß und headbangend nach Kalifornien zu tanzen, während die Vocals direkt unter die Haut fahren. Verletzlich und gebrochen, sich aber dennoch an die Hoffnung klammernd, singen sie wie in einer Therapiestunde über alles, was sie gerne hinter sich lassen würden. Abgerundet wird das Ganze durch ein Musikvideo, das das Innere der Band nach außen kehrt und sie als seltsame Wesen zeigt, denn so fühlen sie sich auch. Abgelichtet und aufgearbeitet im ikonischen Teen Wolf-Look, zwischen Mumien, Vampiren und College-Jacken.
LONELY SPRING Line-Up: Julian Fuchs (Vocals & Guitar) Simon Fuchs (Vocals & Bass) Manuel Schrottenbaum (Guitar) Matthias Angerer (Drums)
Placebo veröffentlichen heute ihre erste neue Single seit fünf Jahren. Hört euch ‚Beautiful James‘ HIER an.
Im Laufe von mehr als 25 Jahren und über 13 Millionen verkauften Alben haben sich Placebo als Meister der Katalogisierung des menschlichen Daseins erwiesen. Die einzigartige Weise, mit der die Band sowohl die Schwächen als auch die Schönheit des Menschen untersucht, hat sie lange Zeit zu einem Zufluchtsort für diejenigen gemacht, die das Gefühl haben, dass die Falle aus Tradition und Gleichschaltung eben genau das ist: eine Falle! Placebo beleuchten nach wie vor die Aspekte unserer Gesellschaft, die von einigen im besten Fall mit Skepsis, im schlimmsten Fall mit Hass betrachtet werden.
Die neue Single ‚Beautiful James‘ ist daher umso ergreifender, als sie in eine Welt hineingeboren wird, die so gespalten ist wie nie zuvor. Vor dem Hintergrund zersplitternder globaler Beziehungen, Fake News und Verschwörungstheorien sowie der weit verbreiteten Angst der Engstirnigen vor dem, was sie nicht verstehen können, vermittelt ‚Beautiful James‘ eine Botschaft des Trotzes mit dem Ziel, nicht-heteronormative Beziehungen zu normalisieren und in einem Song zu feiern.
Brian Molko kommentiert die Veröffentlichung von ‚Beautiful James‘ wie folgt:
„Wenn der Song dazu dient, die Spießer und Verklemmten zu irritieren, dann soll es mir recht sein. Aber es bleibt für mich unerlässlich, dass jeder Hörer seine eigene persönliche Geschichte darin entdeckt – ich will euch wirklich nicht vorschreiben, was ihr fühlen sollt.“
Begleitet durch die hellen Schatten der Schlaflosigkeit, hat die Band ihren kreativen Prozess auf den Kopf gestellt, um ‚Beautiful James‘ zum Leben zu erwecken. Das bedeutete, dass sie sich ihrer gemeinsamen Arbeit auf eine neue Art und Weise näherten, die zunächst mit einem Bild und einem Songtitel begann, der ein bestimmtes Gefühl hervorrief – lange bevor überhaupt ein Ton Musik geschrieben wurde. Das Ergebnis ist ein ebenso kraftvoller wie sanfter Song – ein entschlossenes, trotziges und letztlich notwendiges Kunstwerk. ‚Beautiful James‘ ist keine Polemik, sondern ein Statement. Eines, das so klar und kühn ist, wie die Band es schon immer war.
Hört euch ‚Beautiful James‘ hier an, den Visualizer zum Song gibt es hier.
Mehr neue Musik kommt bald.
Placebo – Beautiful James Single Artwork | Download hier
Mehr über Placebo
PLACEBO ist eine der prägendsten Alternative-Rock-Bands der letzten 20 Jahre, die bis dato weltweit 13 Millionen Alben verkauft hat.
Das selbstbetitelte Debütalbum der Band ebnete den Weg für einen starken Wandel in der britischen Musiklandschaft, fungierte als Gegenpol zum Britpop und inspirierte eine ganze Generation von Bands, die nach ihnen kam.
Mit fünf Top-Ten-Alben in Großbritannien, vier Top-Five-Alben und einer Nummer 1 in Deutschland sowie über drei Millionen verkauften Tonträgern in Deutschland
manifestierten PLACEBO ihren Platz in der britischen und deutschen Musikgeschichte und arbeiteten mit Musiklegenden wie David Bowie, Robert Smith und Michael Stipe zusammen.
Im Verlauf ihrer Karriere spielten PLACEBO zahlreiche ausverkaufte Tourneen und Festival-Headline-Slots auf der ganzen Welt.
Im Jahr 1996, als England mit Britpop gesättigt war, wurden Placebo nur als eine psycho-sexuelle Freakshow mit zweideutiger Sexualität (und, für den beiläufigen Beobachter, Geschlecht) wahrgenommen. Nur zwei Jahre nach ihrem ersten Konzert (Januar 1995 im Rock Garden) und zwölf Monate nach ihrer ersten Single (‚Bruise Pristine‘) veröffentlichten sie mit ‚Nancy Boy‘ den Song, der ihre Karriere bestimmen sollte und erreichten mit ihrem von der Kritik gefeierten gleichnamigen Debütalbum Platinstatus.
Zwei Jahre nach ihrem Debüt und zu einer Zeit, in der Stadion-Rock regierte, waren Placebo ein einsames Leuchtfeuer des rauschenden Glamours – sie hingen mit Bowie ab und hatten Cameos in dem von Todd Haynes inszenierten Film ‚Velvet Goldmine‘. Placebos düster-verführerisches zweites Album ‚Without You I’m Nothing‘ verkaufte sich über eine Million Mal. Das Album enthielt die Top-5-Single ‚Pure Morning‘ und den Hit ‚Every You Every Me‘. Die Album-Kampagne fand ihren Höhepunkt als Placebo ‚20th Century Boy‘ bei den Brit Awards 1999 live mit David Bowie spielten.
Im Jahr 2000 wurde das dritte Album ‚Black Market Music‘ mit seinem triumphalen, an Blondie angelehnten Elektro-Punk-Pop veröffentlicht. Die treue Placebo-Gemeinde formierte sich auf allen Kontinenten und brachte ‚Taste In Men‘, ‚Slave To The Wage‘ und das kontroverse, von Drogen handelnde ‚Special K‘ in die Top 20 in Großbritannien sowie international.
Placebos viertes Album ‚Sleeping With Ghosts‘, das 2003 erschien, erreichte Doppelplatin in Frankreich, Platin in Deutschland und Gold in Großbritannien. Das Album erreichte in sechzehn Ländern die Top 20 der Charts, befeuert durch die erste Single ‚The Bitter End‘. Es folgte ein weiterer Durchbruch mit einer ausverkauften Bercy-Show in Paris vor 18.000 Zuschauern im November 2003. Die Show wurde gefilmt und als ihre erste offizielle Live-DVD ‚Soulmates Never Die (Live in Paris)‘ veröffentlicht. Sie wurde zur meistverkauften Live-Rock-DVD des Jahres 2004 bei Virgin Records.
‚Meds‘, das fünfte Placebo Album folgte 2006, verkaufte sich weltweit über 1,1 Millionen Mal und erreichte sowohl Platinstatus in Deutschland und Frankreich als auch Goldstatus in Großbritannien. Der bisher größte Moment in der Karriere der Band folgte im selben Jahr, als sie als Headliner bei Rock Am Ring auftraten und damit ihren Status als regelmäßiger globaler Festival-Headliner manifestierten. Ein weiterer Meilenstein in Frankreich waren zwei ausverkaufte Konzerte im Pariser Bercy vor über 36.000 Menschen.
Placebos sechstes Studioalbum ‚Battle For The Sun‘ wurde in drei Monaten mit dem Produzenten Dave Bottrill aufgenommen und im Juni 2009 veröffentlicht. Das Album war ein verblüffendes, lebendiges, vitales und grenzüberschreitendes Werk, das eine neue Ära für die Band einläutete. Es war zwei Wochen lang auf Platz 1 der europäischen Billboard-Charts, erreichte in zehn Ländern Platz 1 und in weiteren 20 Ländern die Top 5 der Charts. Bei den MTV European Music Awards 2009 wurde die Band mit dem Best Alternative Award ausgezeichnet und festigte damit ihre Position als eine der besten Live-Rockbands der Welt.
‚Loud Like Love‘ war 2013 das siebte Studioalbum, das von Adam Noble produziert wurde. Die Band tourte ununterbrochen um die Welt und spielte vor über einer Million Menschen in Australien, Lateinamerika, Nordamerika, Europa und Asien. Darunter war auch eine zehntägige Tournee durch Russland, die den Dokumentarfilm ‚Alt Russia‘ ermöglichte, der auf fünf Filmfestivals ausgezeichnet wurde.
Mit der Veröffentlichung des retrospektiven Hit-Albums ‚A Place For Us To Dream‘ und neuer Musik in Form der EP ‚Life’s What You Make It’ mit sechs neuen Tracks, darunter die Singles ‚Jesus‘ Son’ und das Talk Talk-Cover ‚Life’s What You Make It’, feierte Placebo 2016 unglaubliche 20 Jahre als Band.
Eine große ‚20 Years of Placebo‘-Welttournee folgte kurz nach der Veröffentlichung und wurde 2017 fortgesetzt.
Im Jahr 2021 hat die Band ihr achtes Studioalbum fertiggestellt.
Das Album „A Momentary Lapse Of Reason” nimmt im Katalog von Pink Floyd einen Klassikerstatus ein. Ursprünglich 1987 veröffentlicht, war es das 13. Studioalbum der Briten. Nun kündigt Warner Music die Veröffentlichung einer neu abgemischten und aktualisierten Version des Werkes an: „A Momentary Lapse Of Reason – Remixed & Updated“ erscheint am 29. Oktober 2021. Bereits erschienen ist der 2021 Edit von „Learning To Fly“, den man sich HIER anhören kann, sowie das zugehörige Video, das ihr HIER findet.
Basierend auf den für „The Later Years“ verwendeten 1987er-Original-Mastertapes, machte sich Andy Jackson mit David Gilmour und assistiert von Damon Iddins daran, die Aufnahmen neu abzumischen und zu aktualisieren. Das Album wird auf Vinyl, CD, DVD, Blu-ray und digital mit Stereo- und 5.1-Mixen erhältlich sein. Darüber hinaus wird es erstmals in 360 Reality Audio präsentiert und bietet damit ein neues immersives Musikerlebnis, das die 360-Grad-Klanglandschaft einer musikalischen Live-Performance für den Hörer mit Hilfe der objektbasierten 360 Spatial Sound-Technologien von Sony hautnah erlebbar macht. Neben 360 Reality Audio wird „A Momentary Lapse Of Reason“ auch in Dolby Audio und UHD veröffentlicht, was auch bei anderen Pink Floyd-Veröffentlichungen so fortgeführt wird.
Die Veröffentlichung des „The Later Years“- Projekts im Jahr 2019 bot die Gelegenheit, das ursprünglich 1987 veröffentlichte Album „A Momentary Lapse Of Reason“ noch einmal neu in Augenschein zu nehmen. Indem sie zu einigen der ursprünglichen Keyboard-Takes von Richard Wright zurückgingen und die Schlagzeugspuren mit Nick Mason neu aufnahmen, konnten die Produzenten David Gilmour und Bob Ezrin ein besseres kreatives Gleichgewicht zwischen den drei Pink-Floyd-Mitgliedern herstellen.
David Gilmour
„Einige Jahre nach den Aufnahmen des Albums reifte in uns der Entschluss, dass wir es aktualisieren sollten, um es zeitloser zu machen. Etwa indem wir die traditionellen Instrumente stärker in den Vordergrund stellen, die wir mochten und die wir zu spielen gewohnt waren. Wir dachten uns, dass das Album davon profitieren würde. Außerdem suchten und fanden wir einige bisher ungenutzte Keyboard-Parts von Rick, die uns dabei halfen, dem Album einen neuen Vibe, ein neues Feeling zu geben.“
Mit Blick auf die ursprünglichen Aufnahmen des Albums sagt David: „Bob Ezrin hatte bereits ’79 mit uns an ‚The Wall‘ und mit mir an einigen Soloalben gearbeitet. Ich habe viel von ihm gelernt und es ist von großem Wert, ihn an Bord zu haben. Wir legten mit der Arbeit an Song-Ideen los, die ich geschrieben hatte, und als Weihnachten vor der Tür stand, wussten wir, dass es gut lief. Eines Tages spürte ich, wie mich dieses ‚Ding‘ überkam, aus dem ‚Sorrow‘ werden sollte. Ich schrieb an einem einzigen Abend fünf Strophen. Sie überkamen mich einfach aus dem Nichts, in einem dieser großartigen, nicht planbaren Momente, deren wahren Wert man erst später erkennt… Ich wusste, dass wir einen guten Lauf hatten und diese Sache funktionieren würde.“
Nick Mason
„Anfangs schien es etwas seltsam, sich nach über 35 Jahren noch einmal daran zu machen, ein Album neu zusammenzusetzen. Doch das öffentliche Verlangen danach, dasselbe Werk aus anderen Blickwinkeln zu betrachten, ist im Laufe der Zeit geradezu unermesslich angestiegen. Und auch an mir ging diese Faszination nicht vorüber. Wie würde es sein, ein früheres Werk aus einer Zeit neu aufzurollen, in der die digitalen Technologien noch die schöne neue Welt waren?
Es ist zweifellos eine gute Sache, wenn man neue Elemente in der Musik entdeckt oder – was noch häufiger vorkommt – Elemente freilegt, die seinerzeit von der ganzen neuen Technologie an den Rand gedrängt wurden… Für mich ist es ein wenig so, als würde man mit dem Album eine kleine Zeitreise zurück machen und bei der Gelegenheit einen etwas offeneren Sound kreieren – beispielsweise, indem wir uns einige der Dinge zunutze machten, die wir als Erfahrungswerte aus unseren zwei gewaltigen Touren zum Alben mitgenommen hatten.
Ich habe es genossen, die Schlagzeugspuren mit unbegrenzter Studiozeit neu aufzunehmen. ‚Momentary Lapse‘ wurde damals unter erheblichem Stress und Zeitdruck aufgenommen, und tatsächlich wurde ein Teil der finalen Mixes zeitgleich mit den Proben für die bevorstehende Tournee erledigt.
Es war auch schön, einige von Ricks Arbeiten nach vorn bringen zu können. Auch hier hat die positive Flutwelle von Technologie womöglich zu viele digitale Möglichkeiten geboten, mit denen das Bandfeeling übertüncht wurde. Hoffentlich ist das einer der Vorteile dieses neuen Mixes!“
Das neu abgemischte und aktualisierte „A Momentary Lapse Of Reason“-Album hält auch ein neues Albumcover bereit, das ein alternatives Bettenfoto von Robert Dowling aus dem Original-Cover-Shooting zeigt, das unter der Regie des 2013 verstorbenen Storm Thorgerson stattfand. In Anlehnung an die ikonische Originalhülle wurde das 2021er Album-Artwork von Aubrey Powell/Hipgnosis und Peter Curzon/StormStudios entworfen und gestaltet.
Aubrey Powell erklärt: „Ich wollte dem ikonischen Bild mit den fünfhundert Betten einen neuen Anstrich verpassen, das mein Partner bei Hipgnosis, Storm Thorgerson, entworfen hatte. Als ich in den Archiven stöberte, entdeckte ich eine Version, in der das Meer sich dem Set nähert – kurz darauf brach Storm das Shooting ab, aus Sorge, alle Betten zu verlieren. Ich wollte außerdem aus dem Ultraleichtflugzeug mehr herausholen. Es gab keine Nahaufnahmen des Flugzeugs, also machte ich mich auf die Suche nach einem, das ähnlich, aber weiß war, und ließ Peter Curzon den Rumpf mit der richtigen Farbe – rot – retuschieren. Anschließend setzte ich das Ultraleichtflugzeug weiter vorn ins Bild. David Gilmour und Nick Mason gaben ihr Einverständnis, und voilà, hier ist ein Klassiker im neuen Gewand.“
Das Album wird als CD, CD+DVD-Set, CD+Blu-Ray-Set und 2x 180g-LP-Set erhältlich sein, Letzteres für eine verbesserte Klangqualität mit halber Geschwindigkeit bei 45rpm gepresst. Eine spezielle Version des Videos Learning To Fly wird zeitgleich mit Sony 360RA Immersive Audio erhältlich sein. Sieht man das Video auf YouTube mit Kopfhörern an, erlebt man simulierten 360RA-Sound.
Die 360 Reality Audio-, Dolby Audio- und UHD-Versionen von „A Momentary Lapse Of Reason“ sind ab dem 19. Oktober bei digitalen Anbietern erhältlich, alle physischen Formate folgen am 29. Oktober.
360 Reality Audio ist ein neues immersives Musikerlebnis, das die objektbasierte 360 Spatial Sound-Technologie von Sony nutzt. Einzelne Klänge wie Gesang, Chor, Klavier, Gitarre, Bass und sogar Geräusche des Live-Publikums können in einem sphärischen 360°-Klangfeld platziert werden, was Künstlern und Kreativen eine neue Möglichkeit bietet, ihrer Kreativität Ausdruck zu verleihen. Die Zuhörer können in ein Klangfeld eintauchen, das genau den Vorstellungen der Künstler und Produzenten entspricht. Musikinhalte, die in diesem neuen Format für 360 Reality Audio erstellt wurden, können über kompatible Musik-Streamingdienste wiedergegeben werden.
Vor Kurzen haben Times of Grace, mit Adam Dutkiewicz und Jesse Leach von Killswitch Engage, ihr lang erwartetes zweites Album Songs of Loss and Separation veröffentlicht. Gestern präsentierte die Band ein neues Video zu ‚Far From Heavenless‘.
Das Video wurde von Nick Hipa in 29 Palms gedreht, das etwas außerhalb von Joshua Tree in Südkalifornien liegt. „Es hat mir wirklich Spaß gemacht, diesen Song zu schreiben“, sagt Dutkiewicz. „Er handelt davon, den Glauben an etwas zu verlieren – sei es eine organisierte Religion, eine Person oder sogar die Gesellschaft selbst. Verurteilung ist eine entfremdende Sache.“ Er fährt fort: „Es hat viel Spaß gemacht, das Video zu drehen… vielen Dank an Nick Hipa für die Vision und die Hingabe, es zu realisieren.“„Dieser Song ist ein tiefer Einschnitt für mich“, sagt Leach. „Er enthüllt die dunkle Strömung der Korruption und Heuchelei, die man in einigen organisierten Religionen findet. Es geht um die Gegenreaktion, die Kritik und den Rauswurf derjenigen, die hinterfragen und mehr suchen als das, was ihnen gegeben und eingetrichtert wird. Auf der einen Seite der Botschaft stehen Liebe und Akzeptanz, auf der anderen Seite Verurteilung und Entfremdung. Es ist eines in einer Reihe von Liedern, die über einen unendlichen Durst und das Verlangen nach einer tieferen Wahrheit geschrieben wurden. Religion und Rituale haben ihre Schönheit. Aber es gibt einige, die diese tiefe Überzeugung für persönlichen Gewinn, Manipulation und sogar für das Böse nutzen.“Songs of Loss and Separation ist über das bandeigene Imprint-Label Wicked Good Records im Vertrieb von ADA Worldwide erhältlich. SONGS OF LOSS AND SEPARATIONTRACKLIST The Burden of Belief Mend You Rescue Far From Heavenless Bleed Me Medusa Currents To Carry the Weight Cold Forever
Chaosbay gehören zu den wenigen Bands, die alle drei Eigenschaften auf absolutem Top Niveau vereinen.
Die Alternative-Metaller aus Berlin und Kaiserlautern haben sich in den letzten Jahren zunehmend in Richtung des progressiven Metalcore entwickelt. In dieser Mischung treten die beiden großen Stärken der Band hervor: Musikalische Perfektion und das kreative Gespür für zwingende Melodien, die auch außerhalb der Fraktion der Progressive Metal Fans auf offene Ohren stoßen. Vergleiche wie Periphery, Tesseract, aber auch Opeth, Porcupine Tree und Dream Theater fallen immer wieder im Zusammenhang mit dem Sound der Band, der im neuen Gewand auch Fans im Spannungsfeld zwischen Nothing But Thieves und Architects anspricht.
Es ist beeindruckend, mit welch traumwandlerischer Sicherheit Chaosbay innerhalb progressiver Strukturen epische Melodien aufblühen lassen und damit eine leichtfüßige Nachvollziehbarkeit gestalten, in der man sich trotz aller Komplexität ebenso schnell zurechtfindet wie in einem Pop Song.
Chaosbay bestehen aus vier Musikprofis um die 30, die alle bereits als Tour-Musiker für bekannte Künstler gebucht werden. Einer turbulenten Anfangsphase von 20212 bis 2015 folgte eine dreijährige Bühnenpause, um persönliche Projekte voranzutreiben. Nach einem Besetzungswechsel 2018 steht die Band seit nunmehr drei Jahren wieder voll im Saft und ist auf dem Sprung, ihren Status als Geheimtipp hinter sich zu lassen.
Nach drei EPs und einem zunächst rein digitalen Debütalbum, veröffentlichte die Band 2020 das Konzeptalbum ‚Asylum‘, das in der Presse durchweg positive Kritiken erhielt. Weniger als ein Jahr später kehren Chaosbay mit neuem Material zurück. Und das hat es in sich.
Die neue Single ‚Lonely People‘ ist der erste Teil der für Herbst 2021 geplanten EP ‚Boxes‘ und zugleich der Beginn der Zusammenarbeit mit dem neu gegründeten Label Circular Wave, das in der Mission unterwegs ist, moderne Rockmusik mit Qualitätsanspruch in eine internationale Zuhörerschaft zu tragen, deren jüngere Anteile gerade erst die Neuentdeckung der Gitarrenmusik begonnen haben und hungrig nach neuen Alternativen zum Einheitsbrei der Lean Back Playlisten mit kleinstem gemeinsamem Nenner sind.
Die Songs der EP sind zugleich eingängiger und härter als zuvor. Die fünf Titel bilden ein Gesamtkonzept, in dem es um die Schattenseiten des Lebens im digitalen Raum geht.
Die Texte zeichnen ein dystopisches Bild: In einer digitalen Welt nur mit sich selbst gefangen, wird der Mensch von den von ihm erschaffenen Monstern überwältigt und gefesselt. Social Media und Smartphone haben sich von einer Hilfe zu einer ungebetenen Kontrolle über das eigene Leben entwickelt, je mehr man sich in die digitale Leere hineinsaugen lässt.
„I’ve got this feeling the machines have won.“
Die Geister, die ich rief… Der heutige Mensch als moderne Version von Goethes Zauberlehrling. ‚Lonely People‘ heißt die Auftaktsingle zur kommenden EP ‚Boxes‘, und ‚Lonely People‘ – das sind wir alle, die wir uns auf die eine oder andere Art den Herausforderungen der digitalen Hilfs- und Ersatzwelten stellen müssen.
Produziert von Sänger Jan Listing, steht der Song der internationalen Konkurrenz in nichts nach. Das Schlagzeugspiel von Patrick Bernath sticht kraftvoll heraus, während Sänger Jan eine enorme Spannweite an Dynamik und Emotionen in seine Vocal Performance bringt, die wie ein Leuchtfeuer über dem wohlsortierten Gewitter der Instrumente schwebt. Bassist Matthias Heising und Gitarrist Alexander Langner hört man sowohl die Erfahrung des langjährigen Zusammenspiels als auch den Hunger nach maximaler Ausgestaltung des Songs an. Sie nehmen sich zurück, wo es erforderlich und songdienlich ist und setzen andererseits prägnante, kreative Akzente, wann immer der Raum sich dafür öffnet.
Die Roadrunner Records-Band Motionless In White veröffentlicht heute ihre neue Single ‚Timebomb‘. Sie ist ab sofort auf allen Streaming-Plattformen verfügbar. Begleitet wird die Single VÖ von einem animierten Musikvideo, das von Logan Beaver / OhrangeCo produziert wurde und ab sofort auf dem offiziellen YouTube-Kanal der Band zu sehen ist. ‚Timebomb‘ ist der erste neue Song der Band seit 2020.
Motionless In White Sänger Chris Motionless, sagt über ‚Timebomb‘: „Wir freuen uns sehr, einen neuen Song zu veröffentlichen, um die Zeit zwischen der Covid-Zwangspause und unserem nächsten Album, das 2022 erscheint, zu überbrücken. ‚Timebomb‘ funktioniert perfekt als eigenständige Single und um die härtere Seite der Band zu zeigen und den Fans etwas zum Headbangen zu geben, bis wir im September wieder auf Tour gehen. Es fühlt sich so gut an, wieder an die Arbeit zu gehen, und ‚Timebomb‘ ist die perfekte Art und Weise, das ’neue normal‘ zu feiern.“
Mit einem kompromisslosen Spirit, knirschenden Gitarren, knüppelnden Breakdowns und eindringlichen Hooks kehren Motionless In White zu ihren Wurzeln zurück. Das Video ist eine filmische Erzählung, in der eine weibliche Protagonistin versucht, die Erschaffung einer zeitverändernden Superwaffe durch eine korrupte Regierung zu vereiteln. Motionless In White-Gitarrist Ricky Olson hat den Clip persönlich geschnitten und koloriert; Tiltshift Visual und Gabor Toth zusätzliches Material gedreht haben.
Als Nächstes werden Motionless In White ihre mit Spannung erwartete Rückkehr auf die Bühnen ihrer Heimat antreten, bei der Silent Planet und Dying Wish als Special Guests mit dabei sein werden. Die Tour beginnt mit einem Festivalauftritt beim Rocklahoma am 5. September und geht bis Ende des Monats weiter.
Letzten Monat veröffentlichte das Quintett das offizielle Musikvideo zu ‚Thoughts & Prayers‘, bei dem Olson Regie führte und das bereits über 1,7 Millionen YouTube-Aufrufe verzeichnet.
Außerdem gaben Motionless In White Anfang dieses Sommers eine globale Deadstream-Performance – Deadstream #2 Pennhurst Asylum. Vor einem der berüchtigtsten Haunted Houses des Landes spielten sie die Lieblingssongs ihrer Fans. Rock Sound schwärmte von der Veranstaltung: „Einerseits war es eine atemlose und knüppelharte Darbietung, die die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft von Motionless In White feierte. Andererseits war es ein Meilenstein in der Karriere einer Band, die es sich nie erlaubt hat, langsamer zu werden oder aufzugeben“ und bezeichnete das Konzert als „den perfekten Vorgeschmack auf das, was auch immer das nächste Kapitel von Motionless In White sein wird.“
Darüber hinaus veröffentlichte die Band ‚Voices: Synthwave Edition‘, das dem Fan-Liebling von 2017 eine weitere Dimension hinzufügt und von Loudwire als ‚The Best + Metal Songs of May 2021‘ bezeichnet wurde.
Ende 2020 beging die Band das 10-jährige Jubiläum ihres gefeierten Debütalbums ‚Creatures‘ mit einer speziellen ‚Deadstream-Performance‘ und der Veröffentlichung der Single ‚Creatures X: To The Grave‘. Anlässlich des Jubiläums wurde eine spezielle Neuauflage von ‚Creatures‘ veröffentlicht, die auf Vinyl, Kassette und in digitaler Form erhältlich ist. Die Vinyl-Veröffentlichung bietet ein neu gestaltetes Artwork, während die digitale Deluxe-Version drei Bonustracks enthält – ‚Dragula‘, ‚Creatures‘ (Celldweller Beauty Remix) und ‚Mallevs Maleficarvm‘ (Tim Skold Remix). Die LP ist in gelbem, lila und schwarzem Vinyl im offiziellen Store der Bandzusammen mit einer limitierten Auflage von 1.000 Kassettenexemplaren erhältlich. Außerdem überraschten Motionless In White ihre Fans mit einer Coverversion von ‚Somebody Told Me‘ von The Killers, die auf allen Streaming-Plattformen verfügbar ist und zu der es auf dem YouTube-Kanal der Band einen offiziellen Visualizer gibt.
Das Cover folgte auf die Veröffentlichung der ‚Another Life / Eternally Yours: Motion Picture Collection EP‘, die von Justin Deblieck produziert und von Steve Sopchak gemischt wurde. Für die EP hat die Band aus Scranton, PA, zwei Lieblingssingles der Fans neu interpretiert und mit neuem Leben erfüllt: ‚Another Life‘ und ‚Eternally Yours‘. Zusätzlich haben sie brandneue Instrumentalstücke für beide aufgenommen. Für die Interpretation von ‚Another Life‘ haben sie die estnische Dark-Pop-Künstlerin Kerli engagiert, die hoch emotionale Vocals begesteuert hat. Über einem Bett aus orchestralen Streichern und spärlichem Klavier singt Frontmann Chris Motionless ein eindringliches und hypnotisches Duett mit ihr. Das offizielle Musikvideo bietet einen geisterhaften Kontrapunkt und einen alternativen Blick auf das Original.
Für die neue Versoin von ‚Eternally Yours‘ konnte die Band die australische Sängerin Crystal Joilena gewinnen. gewonnen. Klassisch inspiriertes Klavier schneidet durch anschwellende Streicher, während der Gesang himmlische Höhen erreicht. Die begleitenden Visuals, die von Lasern und galaktischen Vignetten unterbrochen werden, ergänzen die jenseitige Energie des Songs.
Die Originalversion von ‚Another Life‘ erreichte die Top 15 der Active Rock Radio Charts und wurde zur bisher meistverkauften Single der Band. Das offizielle Musikvideo wurde fast 18 Millionen Mal angesehen und Beartooth-Frontmann Caleb Shomo lieferte einen speziellen Remix.
Über Motionless In White:
Motionless In White wurde 2006 in Scranton, PA, gegründet und steht für eine unnachahmliche Mischung aus scharfem, metallischem Rock, dunklem Industrial, magnetischen Melodien und überlebensgroßen Visuals. Das Quintett – Chris Motionless [Gesang], Ricky Olson [Gitarre], Ryan Sitkowski [Gitarre], Vinny Mauro [Schlagzeug] und Justin Morrow [Bass] – hat sich in aller Stille an die Spitze des Hard Rock katapultiert und hat bis heute zusammengerechnet fast eine halbe Milliarde Streams und Views gesammelt. Nach dem Erfolg von ‚Creatures‘ [2010] und ‚Infamous‘ [2012] platzierte sich ‚Reincarnate‘ [2014] auf Platz 9 der Top 10 der Billboard Top 200 und Platz 1 der Top Rock Albums Chart. Sowohl ‚Graveyard Shift‘ [2017] als auch ‚Disguise‘ [2019] knackten die Top 5 der Top Hard Rock Albums Charts und Top Rock Albums Chart. Letzteres brachte mit ‚Another Life‘ den bis dato größten Hit der Band hervor, gefolgt von ‚Brand New Numb‘ und ‚Disguise‘. Sie spielten sie ausverkaufte Tourneen und waren Support Act von Slipknot über Korn bis hin zu Breaking Benjamin. Darüber hinaus haben Motionless In White mit Jonathan Davis von Korn, Maria Brink von In This Moment, Dani Filth von Cradle of Filth, Tim Sköld von KMFDM, Caleb Shomo von Beartooth und vielen anderen zusammengearbeitet. Im Jahr 2021 kehren Motionless In White erneut ins Studio und auf die Straße zurück, um den von ihnen patentierten poetischen Sound zu perfektionieren.
„Das gehört zum Erwachsenwerden dazu. Vielleicht ist es das, was uns erwachsen macht.“ sagt Jules zu seinem Zwillingsbruder Simon. Es ist Winter 2018 und es beginnt die bis dahin schwierigste Zeit für die Anfang-20-jährigen Freunde und Newcomer der Emo-Rock-Szene Jules, Simon, Manuel und Madsn. Nach ihrer ersten richtigen Deutschlandtour als Support-Act in randvollen Hallen und den Aufnahmen zur Debüt-EP scheint es nicht besser laufen zu können. Doch wer hoch fliegt, fällt umso tiefer. Die Dinge sind anders als man es sich vorgestellt hatte und das Leben in der Musikbranche hat seinen Preis. Ein Preis, den sie immer bereit waren zu zahlen und dennoch machen ihnen die Konsequenzen zu schaffen. Denn hinter dem Glanz der Musikwelt liegt ein Rubikon, den man zu überschreiten wagen muss. Mit jedem Schritt muss man härter arbeiten und vieles, was einem wichtig erschien, bleibt auf der Strecke. Doch auf dem Weg zum Ziel gehört das vielleicht zum Erwachsenwerden dazu.
Es ist also okay zu zweifeln und sich nicht mehr so sicher zu sein, ob es das alles wert war. Es ist okay, Dinge zu vermissen, die man irgendwo auf der Reise Richtung Zukunft verloren hat. Das bedeutet keinesfalls, dass man seine Träume nicht weiterverfolgt, aber Ballast zu verlieren und deswegen kurz innezuhalten ist okay. Manchmal muss man aufzugeben und hinfallen, um mit neuer Kraft wieder aufzustehen und weitermachen zu können. Wenn man seine eigene Kapitulation akzeptiert und dass man manchmal einfach nicht gewinnen kann, gewinnt man stattdessen ein bisschen Freiheit und eine neue Chance Glück zu verspüren, zumindest für den Moment. ‚December‘ beschreibt all das und soll Hoffnung geben. LONELY SPRING wollen damit sagen, dass man, wenn man am Abgrund steht, loslassen muss um zu fliegen. Und wenn es immerzu regnet, dann müssen wir nicht darüber sprechen, es reicht zu wissen, dass man damit nicht alleine ist.
LONELY SPRING sind die Schlechtwetterherzen des Rockgenres. Die Szene wird überdeckt von Wolken und Gewitter, während am Himmel die Wende zu sehen ist. Eine Wende, welche die Zukunft des Emo-Rocks bedeutet. Dabei haben sie nicht nur die brandneue Single ‚December‘ im Gepäck, sondern liefern gleich eine ganze EP mit, die zum Wiederaufstehen und Weitermachen aufruft: ‚Change The Waters Vol. 2: our sad weather hearts‘. Nach dem bereits erschienenen Titeltrack des Albums ‚Change The Waters‘ kommen zusätzlich zu ‚December‘ noch ‚Honesty‘ und ‚Hell(o)‘ hinzu. Während ‚Honesty‘ die Bürden der Vergangenheit aufarbeitet und dabei musikalisch etwas mehr an Künstler wie nothing,nowhere. erinnert, macht ‚Hell(o)‘ eine deutliche Ansage an alle Skeptiker und folgt dabei einem treibendem Rhythmus und punkigen Gitarren, gemixt mit Trapbeats, wodurch er eher in der Nische von Machine Gun Kelly feat. Travis Barker einzuordnen ist.
‚Change The Waters Vol. 2: our sad weather hearts‘ ist nach der Debüt EP ‚Lovers & Strangers‘, der Akustik EP ‚Berlin Therapy‘, der Single ‚Drug feat. Kellin Quinn‘ und der ersten EP zum Debütalbum ‚Change The Waters Vol. 1: the art of being miserable‘ der nächste audiovisuelle Output der Band in kürzester Zeit. Ebenfalls ist die EP eine der letzten Vorstufen ihres am 17.09. erscheinenden Debütalbums ‚Change The Waters‘.
LONELY SPRING sind bereits mehrfach durch Deutschland und sogar Europa getourt, unter anderem mit Bands wie Our Last Night, Sea Girls und Emil Bulls. Darüber hinaus spielten sie Shows mit State Champs, Ignite, As It Is, Hands Like Houses und Being As An Ocean, ebenso wie zahlreiche Festivals wie das Hammaburg Fest, Free and Easy und das Jukuu Festival.
Die EP ‚Change The Waters Vol. 2: our sad weather hearts‘ erscheint heute über Ivorytower Records / Edel, zusammen mit der nagelneuen Single ‚December‘, die ein Musikvideo im Schlepptau hat, das uns von Nostalgie gepackt in die bittersüßen Momente der ersten Liebe zurückversetzt.
Das neue Album ‚Snake Pit Therapy‘ erscheint am 17.09. auf Svart Records
Die lebende Legende Sonny Vincent (Testors/The Limit) zelebriert rauhen, ansteckenden Rock und verweist mit dem neuen Album ‚Snake Pit Therapy‘ sämtliche Zweifler auf die Plätze. Heute erscheint die zweite Single ‚Stick‘, das zugehörige Video gibt es HIER!
Vincents ‚Snake Pit Therapy’ erscheint am 17. September 2021 über das finnische Label Svart Records (HIER vorbestellen) und ist ein Wirbelwind aus gefühlvollem Punk mit einem knallharten Rückgrat. Während die erste Single ‚End Of The Light‘ einen rockigen Einstieg ins neue Album war, legt Sonny nun den zänkigen Song ‚Stick‘ nach und zeigt erneut sein außergewöhnliches Gespür für echtes Songwriting und beweist, dass er mit ‚Snake Pit Therapy‘ ein echtes Ass im Ärmel hat.
Sonny Vincent über ‚Stick‘:
„Dieser Song erkundet eine Welt, die voller Unsicherheit, Unglück, Enttäuschung und Hässlichkeit ist, während er gleichzeitig nach Aufregung und Schönheit sucht. I’m sticking with you, Baby!“
Geboren in New York City und aufgewachsen in den Straßen und Clubs der Stadt, machte Sonny Vincent erstmals als Mitglied der NYC Punk Urgesteinen Testors von sich reden, die von 1975 bis 1979 fester Bestandteil der CBGB und Max’s Kansas City Szene waren.
Vincents neues Album ‚Snake Pit Therapy‘ ist rauher, ehrlicher Protopunk mit psychedelischen Ausflügen in den Hard Rock, immer dominiert von Sonny Vincents Geheimwaffen – seiner nackten Aggression, seiner leidenschaftlichen Stimme und seinem beißenden Gitarrensound. Die Ehrlichkeit, die durch die Innereien von ‚Snake Pit Therapy‘ fließt, ist sicherlich in Sonny Vincents turbulenten Leben begründet, wie er in seinem kürzlich erschienen Buch erzählt, das denselben Titel trägt wie das neue Album. Seine Kindheit und Jugend verbrachte er in unterschiedlichen Heimen für schwer Erziehbare, wurde zur Beobachtung in die Psychiatrie eingewiesen und schließlich zu einem Einsatz der US Marine in Vietnam zwangsverpflichtet. Diese außergewöhnlichen und schwierigen Erfahrungen verarbeitet Vincent in seinen Songs und so ist ‚Snake Pit Therapy‘ ein großartiges Zeugnis wahren Rock n Rolls und eine 15-Tracks-elektrifizierendene Schock Behandlung mit catchy Urgeschrei und beißenden Melodien. Grundehrliche Songs wie The End of Light und Never Tired kommen direkt aus Sonnys weit aufgerissenem Herzen und überzeugen mit Tiefe und Dringlichkeit. Sonny hat Gift in seinen Fangzähnen und sein Songwriting ist scharf wie ein Rasiermesser.
Sein Underground Spirit lässt ihn niemals stillstehen und machte ihn zum ulitmativen, unbesiegbaren Außenseiter, der mit The Limit feat. Bobby Liebling von Pentagram, gerade kürzlich ein viel gelobtes Album veröffentlicht hat. Während seiner mittlerweile drei Dekaden und 28 Alben umfassenden Karriere hat er mit vielen der einflussreichsten Musiker seines Genres zusammengespielt und immer bleibt Vincents Musik kämpferisch, dynamisch, hochelektrifizierend und erstklassig.
‚Snake Pit Therapy‘ ist voller Leidenschaft und wilder Klugheit und voller Songs, durch die man sich mit der eigenen wilden Jugend verbunden fühlt. Seid ihr bereit, euch den Kopf von einem Mann zurechtrücken zu lassen, der es vermag, unwiderstehliche Melodien mit einem kraftvollen und rauen Sound zu vermischen, der mächtiger ist als der Biss einer Königskobra? Dann braucht ihr dringend eine Snake Pit Therapy!
Das Video zu ‘Stick’ kann man sich hier anschauen:
Die Single gibt es natürlich auch auf Spotify und iTunes
GREEN LUNG präsentieren neue Single ‚Reaper’s Scythe‘Das neue Album ‚Black Harvest‘ erscheint am 22. Oktober via Svart Records
Foto: Andy Ford
GREEN LUNG veröffentlichen heute die zweite Single ‚Reaper’s Scythe‘ ihres kommenden neuen Albums ‚Black Harvest‘, das am 22. Oktober auf Svart Records erscheint. Die erste Single ‚Leaders of the Blind‘ ist bereits Anfang Juli erschienen und das zugehörige Video gibt’s HIER. ‚Black Harvest‘ wird auf heavy weight Vinyl-, auf CD- und digital erhältlich sein und kann ab sofort hier vorbestellt werden.
Sänger Tom Templar über ‚Reaper’s Scythe‘: „Einige wichtige Elemente von ‚Reaper’s Scythe‘ entstanden bereits während der Aufnahmen unserer ersten EP ‚Free the Witch‘, aber wir fanden keinen Weg, die einzelnten Parts zusammenzubringen. Kurz nachdem ‚Woodland Rites‘ erschienen war, jammten wir in unserem Studio und fügten ein düsteres Intro und eine epische King-Diamond-artigen Middle 8 hinzu und plötzlich machte es Klick. Es ist der erste Song, den wir in diesem old school Maiden-Galopp geschrieben haben und Horrorfans werden viele Referenzen in den Texten entdecken, von vertrauten (Stephen Kings Children of the Corn) bis hin zu obskuren (Thomas Tryon’s Harvest Home). Im Proberaum wurde es schnell zu unserem Lieblingslied und wir können es kaum erwarten, es endlich live zu spielen!“
Das neue Album wurde über einen Zeitraum von zwei Wochen in den Giant Wafer Studios im ländlichen Mittelwales zusammen mit dem langjährigen Produzenten Wayne Adams (Petbrick, Big Lad) aufgenommen, bevor es von John Davis in den Metropolis Studios (Led Zeppelin, Royal Blood) gemastert wurde. ‚Black Harvest‘ ist breiter und strukturierter als das Debüt, von geradezu cineastischer Qualität und mit viel Liebe zum Detail. Alle Samples stammen aus der Natur und von Instrumenten, die die Band im Studio , einschließlich der eindringlichen Eröffnungsstimme von ‚The Harrowing‘, die die Band spontan aufnahm, nachdem sie in die örtliche Kirche eingebrochen war (im Hintergrund ist das Knarren der Orgel zu hören).
Mit ‚Black Harvest‘ knüpfen GREEN LUNG dort an, wo sie mit den in Eigenregie veröffentlichten ‚Woodland Rites‘ aufgehört haben und lassen sich weiterhin von Großbritanniens reicher Folkloregeschichte, von Hexerei und kultischen Horrorfilmen inspirieren. Die Natur ist – wie immer – in den Stoff der Lieder verwoben; dieses Mal wurde das Album im Spätherbst aufgenommen, und die saisonale Atmosphäre sickerte in die Musik ein, die nach Nebel, fallenden Blättern und dem bröckelnden Ruhm der Magnificent Seven Friedhöfe von London, der Stadt, die die Band ihr Zuhause nennt, duftet.
Erstes Album mit Slash Featuring Myles Kennedy And The Conspirators
Album erscheint in Kooperation mit BMG
Foto: Austin Nelson
NASHVILLE, TN. Gibson – die ikonische amerikanische Instrumentenmarke – steht seit 127 Jahren Musikgenres und Spielergenerationen übergreifend für die Kreation und Gestaltung von Musik und Sound. Gestern Abend gab Gibson den Start von Gibson Records mit Hauptsitz in Music City, Nashville, TN, und einer strategischen Label Partnerschaft mit BMG bekannt.
Basierend auf ihren ikonischen Marken, erstklassigen Gitarren und in Zusammenarbeit mit großartigen Künstlern, hat Gibson in den letzten zweieinhalb Jahren erfolgreiche Initiativen im Musikbereich ins Leben gerufen. Zu den Initiativen, welche die Gibson-Fangemeinde und die Musik-Community insgesamt neu belebt haben, gehören die Gibson Artist Collections, Gibson TV, die Gibson App, die Gibson Generation Group (G3), Gibson Gives und die neu eröffnete Gibson Garage in Nashville. Gibson Records ist der nächste große Schritt, der zur Entwicklung kollaborativer Künstlerpartnerschaften beiträgt.
Seit den Anfängen der Tonträger wurde mit Gibson-Gitarren legendäre Musik aufgenommen, die Generationen bewegte und inspirierte. Gibson Records wird mit Gibson-Künstlern zusammenarbeiten, um ihre Musik zu produzieren, aufzunehmen und für Fans auf der ganzen Welt zu vermarkten, die Kraft ihrer Musik zu verbreiten, gitarrenzentrierte Musik zu kreieren, aufzubauen und genreübergreifend für Fans auf der ganzen Welt bereitzustellen.
„Die Gründung eines Plattenlabels, das unseren Künstlern dient, ist die natürliche Weiterentwicklung unserer 127-jährigen Geschichte. Gibson Records wird mit Gibson-Künstlern zusammenarbeiten, um ihre Musik im Rahmen einer künstlerfreundlichen Partnerschaft aufzunehmen und zu vermarkten,“ sagt Cesar Gueikian, Brand President, Gibson Brands. „Mit Gibson Records fokussieren wir uns auf unsere Artist-First-Kultur, die der Musik verbunden und verpflichtet ist. Wir sind stolz, Gibson Records zu gründen und bekanntzugeben, dass Slash unser erster unter Vertrag genommener Künstler ist, und wir eine Label Partnerschaft mit BMG eingegangen sind.“
„Es ist eine Ehre, die erste Veröffentlichung von Gibson Records zu sein“, sagt SLASH. „Es ist mit Sicherheit ein Höhepunkt unserer Partnerschaft und da ich so lange schon so eng mit Gibson zusammenarbeite, weiß ich, dass sie ein Label sein werden, das ihre Künstler wirklich kreativ unterstützt. Nicht nur mich, sondern alle Künstler, mit denen sie arbeiten werden. Es ist perfekt.“
„Die Partnerschaft mit Gibson Records und BMG bietet eine aufregende und einzigartige Gelegenheit, neue Ideen für die Vermarktung und Promotion eines Albums zu entdecken,“ fügt Jeff Varner, Mitbegründer der Revelation Management Group (langjähriger Manager von Slash) hinzu. „Es zeigt ein echtes Engagement von Gibson gegenüber der Künstlergemeinschaft und wird als Modell für zukünftige Künstlerveröffentlichungen dienen. Die Zusammenarbeit mit Cesar und dem Gibson-Team hat uns einen neuen Ansatz eröffnet, wie wir eine Albumveröffentlichung angehen können.“
„BMG gratuliert Gibson zum Start des neuen Labels und ist stolz darauf, bei der ersten Albumveröffentlichung mit Gibson Records zusammenzuarbeiten,“ sagt Thomas Scherer, President, BMG Repertoire and Marketing, New York und Los Angeles. „Dies ist die perfekte Kombination zwischen zwei globalen Marken mit einer unvergleichlichen Wertschätzung von ikonischen Künstlern und dem Respekt, ihren kreativen Talenten zu dienen. Wir freuen uns, mit Myles Kennedy und The Conspirators der weltweite Partner für das neue Album von Slash zu sein und freuen uns darauf, Fans auf der ganzen Welt ihre neue Musik zu präsentieren.“
Gibson, die führende ikonische Gitarrenmarke, prägt seit 127 Jahren den Sound von Generationen von Musikern und Musikliebhabern aller Genres. Gibson Brands wurde 1894 gegründet und hat seinen Hauptsitz in Nashville. Gibson Brands hat eine Geschichte an erstklassiger Handwerkskunst, legendären Musikpartnerschaften und progressiver Produktentwicklung, die unter den Musikinstrumentenmarken ihresgleichen sucht. Das Portfolio von Gibson Brands umfasst Gibson, die führende Gitarrenmarke, sowie viele der gefragtesten und bekanntesten Musikmarken, darunter Epiphone – seit 1873 „On Every Stage“, Kramer – die originale „MADE TO ROCK HARD“ Gitarrenmarke, MESA/ Boogie – „The Home of Tone“ und KRK – „Behind Great Music For 30 Years“. Gibson Brands hat sich der Qualität, Innovation und klanglichen Exzellenz verschrieben, damit Musikliebhaber auch in kommenden Generationen die von Gibson Brands geprägte Musik erleben werden. Erfahren Sie mehr unter Gibson.com und folgen Sie uns auf Twitter, Facebook, Gibson TV und Instagram.
Über Slash:
Slash – der legendäre, GRAMMY-prämierte amerikanische Rockgitarrist, Songwriter und Filmproduzent – hat über 100 Millionen verkaufte Alben, einen GRAMMY Award und sieben GRAMMY-Nominierungen erhalten und wurde in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Bereits Slashs erstes Soloalbum Slash (2010), auf dem Ozzy Osbourne, Fergie, Myles Kennedy und mehr zu vertreten waren, platzierte sich an der Spitze der Charts. Kurz darauf gründete er seine aktuelle Band Slash Ft. Myles Kennedy And The Conspirators – bestehend aus Myles Kennedy (Leadgesang), Brent Fitz (Schlagzeug), Todd Kerns (Bass/Gesang) und Frank Sidoris (Rhythmusgitarre) – die seit einem Jahrzehnt weltweit touren und Alben aufnehmen. Die Gruppe veröffentlichte 2012 das von den Kritikern gefeierte Album Apocalyptic Love, welches die Billboard Top 200 Album Charts stürmte, auf Platz 4 als Top-Rock-Album debütierte und Slashs allererste #1 Solo-Radiohits „You’re A Lie“ und „Standing In the Sun“ hervorbrachte. Slash veröffentlichte 2013 Nothing Left To Fear, den Soundtrack zum ersten Kinofilm, der mit SLASHfiction, seiner auf das Horror-Genre spezialisierten Film-/TV-Produktionsfirma, koproduziert wurde. Das zweite Album der Band, World On Fire, wurde weltweit gefeiert und der Titeltrack des Albums, „World On Fire“, stieg bis auf Platz 1 des US-Rock-Radios auf. Im Jahr 2016 haben sich Guns N’ Roses wieder vereint und Slash schloss sich Axl Rose und Duff McKagan für die historische und fortlaufende „Not In This Lifetime Tour“ an, die von Billboard inzwischen als die dritt-umsatzstärkste Tour aller Zeiten eingestuft wird. Die jüngste Veröffentlichung von Slash und seiner Band ist das von der Kritik gefeiertes dritte Album Living The Dream (2018), welches der Rolling Stone als „beißendes Blues-Filigran am Ende eines Riffs, weinende Soli voller langer Noten und Boogie-Woogie-Riffs“ bezeichnete, während die Los Angeles Times hinzufügte, das Album ist voller „überraschender Funk-, Boogie-, Blues- und Garagenrock-Einflüsse“. Angetrieben von dem Top-5-Song „Driving Rain“ und der Single „Mind Your Manners“ sowie dem besten Kritikerlob ihrer Karriere, debütierte Living The Dream weltweit mit 10 Top-10-Chart-Platzierungen, bis zum Ende ihrer Welttournee im Jahr 2019 hatte die Gruppe sieben aufeinanderfolgende Top-10-Hit-Singles im Radio erreicht. www.slashonline.com
Über BMG:
BMG – gegründet 2008 – ist das viertgrößte Musikunternehmen der Welt, der erste neue Global Player im Musikgeschäft des Streaming-Zeitalters und Plattenlabel und Musikverlag in einem. Im Jahr 2020 von Fast Company zu einem der innovativsten Unternehmen der Welt ernannt, ist der Pitch von BMG einzigartig – ein unermüdlicher Fokus auf Fairness, Transparenz und Service für seine Künstler- und Songwriter-Partner. Die 20 Büros von BMG in 12 Kernmusikmärkten repräsentieren heute über drei Millionen Songs und Aufnahmen, darunter viele der renommiertesten und erfolgreichsten Kataloge in der Geschichte der Popmusik. Der frische Ansatz von BMG umfasst Produktionsmusik, Filme, Bücher, Künstlermanagement, Merchandise, Leistungsschutzrechte und Live- sowie Musikveröffentlichungen und Aufnahmen auf derselben Serviceplattform. BMG gehört zum internationalen Medien-, Dienstleistungs- und Bildungsunternehmen Bertelsmann, zu dessen weiteren Content-Unternehmen der Sender RTL Group, der Fachbuchverlag Penguin Random House und der Zeitschriftenverlag Gruner + Jahr zählen. Mit seiner Multiplattform-Perspektive, der integrierten Technologieplattform und dem Engagement, Künstlern zu helfen, ihr Einkommen zu maximieren, strebt BMG danach, das beste Geschäftspartner im Musikbereich zu sein. www.bmg.com
